La imagen como teatro.

Caravaggio es uno de los pintores más importantes del Siglo XVII. En estas lecturas la imagen es un escenario para la representación teatral, la cual posee cualidades dramáticas.

En este siglo e incremento de la población produjo un incremento en el número de personas pobres, los cuales eran realmente tratados como pobres. Se creía que ellos eran personas que eran maliciosas, vándalos y que por el simple hecho de ser pobres eran los hijos vagos de Dios y que probablemente podrían llegar a la condición del demonio.

La conexión entre pobreza y delito no había sido ampliamente admitida por la iglesia durante la Edad Media.  Para el Siglo XVI  nace Caravaggio, encargado años más delante de decorar diferentes capillas retratando a los mendigos de la época, cosa que disgustó mucho a la iglesia debido a que ellos creían que el pobre no debería mostrarse tal cual ni mucho menos que los ángeles y querubines deberían ayudarlos como por ejemplo en “San Mateo y el ángel” donde San Mateo se ve literalmente como un pordiosero y lo trata de ayudar un ángel a escribir algo.

Para esta época también los pobres eran vistos como aquellos que carecían de identidad social y se les creía capaces de cometer cualquier delito.

Hasta en 1751 se creó el primer albergue de pobres donde funciono la colaboración a los pobres pero para mantenerlos como unos esclavos literales.  Pero gracias a esto el lenguaje de los pobres empezó a revelarse debido a que sus ademanes y humor se lograron rescatar de las calles y se llevaron al teatro popular. Las fiestas, carnavales, misterios, enfermos, aquejas mentales y demás dieron pie para tener presencia y voz los que para el historiador Jelle Koopmans llamaba ”puesta en escena del público mismos en un ambiente festivo”.

Debido a estos actos la iglesia empezó a preocuparse y logró crear consciencia en la sociedad predicando la ayuda a los pobres y los más necesitados.; para esto se dispusieron de diferentes lugares de encuentro y de albergues para la sociedad pobre donde la alta sociedad podría contribuir a la regulación y a la proliferación de los pobres y sus costumbres. Según el autor quienes realizaban una obra de misericordia para con otro ser humano actuaban misericordiosamente frente a Jesús. De ahí en adelante las obras de misericordia crecieron y empezaron a notarse en gran parte del país.

Con la proliferación de los albergues de pobres y de las iglesias llamaron a diferentes pintores para recrear el realismo de la época, Caravaggio juega un papel muy importante debido a que pinta una de las más importantes pinturas, decidió entonces incluir siete obras de misericordia. Para Caravaggio el escenario donde la misericordia hace sus obras incluye al espectador si quiere ser verídico, obliga al espectador a sentirse responsable e sus hermanos y hermanas infelices. Fuerza a obrar al espectador.

LO VEO, LO ENTIENDO Y LO CONTEXTUALIZO

Siempre, o bueno casi siempre, dependiendo del tipo de pintura, uno como espectador se fija mucho en qué es lo que realmente quiere decir el artista, para aquellos que son fanaticos del arte y más especificamente de la pintura, esta tiene como carazterística principal y primordial, mostrar al público un contexto de lo que se está hablando. Para aquellos que tan solo van a conocer un museo o por "obligación" se darán cuenta que muchas veces se nos es dificil establecer una relación de la pintura con alguna época específica.
Estas personas no tan buenas para leer e interpretar el arte, parten de que la obra observada tiene ciertos elementos que componen dicha pintura, como los colores, los objetos, la perspectiva, etc. cosas, en pocas palabras, simples para definir lo que relamente se está diciendo en la obra.

Los expertos en el tema saben y conocen que las obras de arte deben, no solo representar una realidad, sino que deben situarnos, a nosotros como espectadores, en una época determinada, saber de que se está hablando, en pocas palabras darnos un contexto; mostrarnos sentimientos y actos de los seres humanos y hasta compararlos con hechos anteriores.

No obstante ciertas obras de arte dan esa impresión de contexto y de comportamiento humano al que se refire su obra. Pues es labor del artísta crear una interacción y un gusto por la pintura, si aquellas personas que no conocemos del arte , este sería un buen punto para empezar a querer la pintura como una forma de expresión y de difusión histórica.

Muchas pinturas cumplen con este objetivo de representar la historia mediante la pintura, como por ejemplo la historia de "la  mujer  del arete de perla" una de las pinturas más famosas y que tiene un gran significado en la historia.

Yo siendo una persona ajena  a la pintura, no porque no me guste, sino porque muchas veces me es difícil interpretarla, admiro la capacidad de algunos artístas de motivar a las personas a ver su obra para dar un concepto, una idea, un acto una revelación, etc. y poder luego discutir y mostrar que el arte va más de un simple dibujo. 

La intertextualidad en pintura.

En esta lectura queremos ver la relación de la modalidad de producción de texto y del texto mismo; la relación del texto y el lector empírico.

A partir de esto podemos empezar a ver el efecto de objetividad, o sea  el iconismo, dependiendo de técnicas coincidentes con un máximo de abstracción.

El autor explica dos principios del iconismo. El  primero es en la pintura figurativa las teorías de representación están escondidas en el texto porque si se exhiben significaría exhibir un conflicto entre profundidad de la pintura y superficie de la pintura, lo cual debe evitarse. El segundo principio es que en la pintura figurativa debe presuponerse la existencia de un espacio de la teoría que a veces está expresado físicamente.

Las obras figurativas contienen las teorías que las fundan  a pesar de que hay obras que son más teóricas que 

otras y que dan pie para la reflexión sobre los fundamentos de su construcción.

La intertextualidad es el conjunto de capacidades supuestas en el lector y evocadas en el texto, estipuladas en algunas historias producidas en una cultura por parte de algún autor.

Según el autor el intertexto es “el retículo de llamadas a texto precedentes construido para el doble objetivo de la inteligencia de la obra individual para la producción de efectos estéticos locales o globales”.

El intertexto de un texto literario se define como el conjunto de propiedades más o menos genéricas de otros textos evocados en la obra y se admite que tales propiedades atañen a textos de cualquier tipo”.

Para hacer más fácil esto el autor trae a colisión la pintura de Los Embajadores de Holbein, quien es uno de 

los pintores más intelectuales del Renacimiento Europeo.nen esta pintura se vislumbren diferentes estadios.

El primero es el secreto de lo que había en la pintura. El segundo es la identificación de los personajes, acá hay dos personajes que como según viste da una idea de quiénes eran y de qué época eran. El tercer estadio es la cultura. El cuarto es la amistad. El quinto es la política. El sexto es la pintura el séptimo el juego lingüístico y por último la autobiografía.

La imagen como ausencia

El autor empieza esta lectura explicando la sensación que tuvo cuando vio la pintura “Dos pianos” de Joan Mitchell. Explica que para la época de los 80’s los artistas no retrataban lo real en la pintura tal como es sino que como lo ve cada persona. Lo que buscaban era responder con emociones a lo real sin mejorarlo, sin copiarlo y sin comunicarlo, pero se daban cuenta de que al momento de tratar de poner algo estaban comunicando una percepción de ellos y así nace la búsqueda de la nada involucrando al espectador y al autor en la pintura.

Para el autor aparte de esta mirada, también se concentraba si tal vez la técnica, las pinceladas, los brochazos, el lenguaje, la lectura, etc. era lo que hacía importante la pintura o tal vez eso en conjunto con lo que quería decir con la pintura.

El autor explica que Jackson Pollock trataba de presentar una imagen que renunciara al intento de narración rechazando cualquier tipo de control por parte del artista o espectador, como si la explosión del artista estuviera a punto de ocurrir.

El nuevo estilo de Pollock fue crear un nuevo sistema de signos convencionales  creando un sistema de signos que no quiso infundir de mensajes o significados a esto se le llamo impresionismo abstracto.

Jackson Pollock buscaba pintar lo que no se puede pintar, percibir en las más remotas y profundas miradas de la humanidad.

Después el autor hace una clara relación de los colores en la religión desde épocas antiguas y cita al psicólogo estadounidense William James debido a que el color solo puede percibirse en contraste a otro. 

También comenta que “lo que vemos no se determina por la realidad que se plasma en un lienzo ni por nuestra inteligencia y emoción sino por la distinción que propio lenguaje suministra en toda su arbitraria majestad”

retórica de la pintura

“cero estrés”

Que interesante sería estar “cero estrés”, como lo afirma la nueva campaña publicitaria de Comcel que a muchos colombianos les ha creado cierta intriga de qué será eso o que nuevo plan llegará al país, pues esta retorica publicitaria persuade a la gente de que claramente algo nuevo, no precisamente innovador, se viene para las telefonías celulares, en este caso Comcel.

En cambio si vamos a un museo y vemos a la exposición actual de bicentenario de inmediato nos lleva a tiempos pasados y empezamos a reconstruir la historia.

Para la publicidad su objetivo primordial, aparte de persuadir, es crear una conciencia de consumo donde lo primordial sea el producto; en contraste con esto, está la retorica de la pintura que lo que busca es reflexionar sobre lo que se está viendo.

En la publicidad se ve cierta libertad en crear algo que sea llamativo y que lleve al espectador a comprar de inmediato el objeto que se esté vendiendo. Por el contrario para los artista esta libertad de expresar no es tan enmarcada, ya que para cualquier artista lo más importante de representar algo es llevar al espectador a una reflexión y en eso muchas veces los artistas se pierden en la construcción de cierto “objetivo”. Este objetivo debe tener su prioridad en retratar una “realidad” o condiciones socioculturales, sin importar su grado de claridad.

Dicho grado de claridad es: no importa si la imagen es tal cual a como se ve en el mundo real, si las pinceladas del artistas son delgadas, gruesas; si tan solo usa puntos, líneas, etc.

Objetivo que, a mi parecer, nunca se cumple, bueno salvo en algunos artistas; cuando yo veo una obra de un paisaje simple, para mi tan solo es el retrato de un paisaje y se queda en una técnica del artista.

La pintura debe ser esa que manifieste una intensión dominante o una voluntad de cambio, algo que va en contra del sistema, que logre que uno como espectador tome conciencia o voz y voto en lo que se muestra.

La pintura se queda en nuestras mentes y en nuestro recuerdo, mientras que la publicidad es un imaginario del momento, si se acaba alguna cuña publicitaria esta parará al pasado y se olvidará mucho más rápido mientras que la imagen será siempre un punto de referencia, y de la cual los pintores deberán esforzarse para que este arte siempre sea el primero en reconstruir una condición sociocultural.

Mis sentimientos son como los de los demás.

Se dice y se critica a una persona por su modo de vestir, de pensar y de hablar; muchas veces queremos reflejar nuestros gustos o nuestras opiniones de determinadas cosas pintando o cantando, ya que esta forma de expresar hace que se manifieste un estilo de vida o se represente la vida de los demás.

Las percepciones de las cosas en determinadas ocasiones, son la inspiración de lo que muchos pintores hacen, como el caso de Picasso; este gran artista plasma sus propios sentimientos y su propia opinión de las coas y personas en lo que pinta.

Los sentimientos de él, son puestos en aquellos cuadros de mujeres que reflejan de cierto modo su forma de vivir y sus propias experiencias.

Para este artista el retratar una simple cara de llanto o de tristeza simboliza la idea del sufrimiento y es por medio de estas pinturas que categorizamos a un determinado sentimiento, pensamiento, verbo, obra, etc.

No hay nada mejor que sentir el dolor, la alegría y reflejarla ya que ha vivido dichos momentos, a que una persona te muestre como es dicho sentimientos; lo mejor para figurar los sentimientos es viviendo o percatando la realidad.

El espectador al ver una obra, siente lo que el pintor quiere decir; en el caso de Picasso el retrato de una mujer llorando hace que uno sienta el sufrimiento y le den ganas de llorar, así se reconoce el dolor del otro sin necesidad de indagar que es la amargura o padecimiento.

Esto muchas veces nos lleva a vernos reflejados por medio de una pintura más de lo que pueda decir un texto.

“nuestra identidad proviene de imágenes nuestras reflejadas que percibimos por fuera de nosotros, mediante esta identificación, aprendemos a vernos a nosotros mismos” Lacan.

http://www.youtube.com/watch?v=0Xb78jOduAU

La imagen como relato

El artista comenta que años atrás fue deslumbrado con una pintura que le mostró su tía de Van Gohg en Argentina. Explica que la miro tanto tiempo que supo que había mirado algunas de las partes tiempo atrás pero sabía que no eran las mismas.

El lenguaje de la pintura nos brinda información, una información fragmentada y libertada, que dá pie para crear y suponer. La pinturas no son explicadas sino que se trata de explicar que quería decir el autor.

Según Platón todo conocimiento es recuerdo y para Salomón todo acontecimiento es olvido. 

Es real como se maneja la información en este argumento, las cosas que nos impactan y que marcan un punto en nuestra vida tienden a ser recordadas por siempre, mientras los acontecimientos vividos, en especial diariamente, son olvidados fácilmente debido a la costumbre de vivirlos.

Para el autor las imágenes y las palabras son la materia de lo que estamos hechos. El alma no piensa sin ninguna imagen.

Día tras día comprendemos como lo que nos rodea es una imagen de nuestra realidad; si nosotros queremos ir más allá de esto lo podemos hacer, nadie nos limita, lo único que nos limita son nuestras propias capacidades para empezar a funcionar activamente.

Cuando se está en frente de una imagen esta llega a la conciencia instantáneamente provocando una estimulación del  individuo para crear e interpretar la imagen.

Cada obra esta acompañada de una crítica, ya sea positiva o negativa siempre habrá una interpretación de la imagen.

La pintura que solo se queda en el lienzo y en la pared

Gran parte del requerimiento del arte es emocional, algunos artistas buscan provocar reacciones en el espectador, ya sean de admiración, de lujuria, ira, repugnancia. Como se sabe un artista busca deliberadamente evocar una respuesta emocional en el espectador, sin embargo recordemos como decía Kahnweiler en su libro “Mis galerías y mis pintores” “Si, como pienso yo, la pintura es una escritura, es evidente que toda escritura es una convención”. Así que hay que aceptar esa convención, aprender esa escritura: es lo que se suele hacer por simple costumbre. Muchas veces las personas en su ignorancia pueden reír de una pintura que a su parecer esta feísima o chistosísima o simplemente veían vagamente lo que representaba de ahí que las personas que no leen una pintura sino que esa pintura solo se queda en el lienzo y en la pared.

Cuando miramos una imagen o las pinturas de nuestro artista preferido lo primero que tratamos de hacer es saber qué es lo que nos quiere decir dicho autor, que nos puede estar mostrando y los diferentes componentes de esa imagen, como la luz, ubicar la posición en la que se encuentra la imagen principal o la que se destaca en la pintura (centro, lado derecho, lado izquierdo), cómo se estructura la puesta en escena y cuáles son las figuras o las formas que predominan más.

El punto de fuga por ejemplo es aquella visión que nos hace ver el infinito en una pintura y es en muchas ocasiones donde más se centra nuestra atención esta atención también nos puede llevar a las partes donde el cuadro posee mayor luz como por ejemplo en la pintura Vasos en una mesa del gran artista Picasso donde se ve que es una obra donde se puede identificar las líneas que visualmente nos permite, con una mayor facilidad, identificar las figuras más representativas de la imágen, los elementos que la componen y mostrar el estilo del pintor, su diseño sus planos.

Por eso a la hora de leer una pintura "Podemos leer tanteando con la pupila, exponiéndonos al principio a no comprender. Y podemos leer ya con la pupila acostumbrada, paseando la vista sobre cuanto el arte nuevo nos ofrece:  un mundo distinto que nos hace precisar la visión un poco más  para contemplarlo bien."

De la semiótica al signo icónico

En estas lecturas vemos un punto muy importante para el ser humano, la percepción. La pregunta obvia para esto es ¿cómo captamos el mundo?; es cierto para todos que los seres humanos percibimos el mundo totalmente diferente, para unos el color rojo puede ser un rojo intenso o un rojo oscuro a pesar de que sea color rojo.

Para captar el mundo nos damos cuenta de que los sentidos son los que constituyen la mirada hacia el mundo y lo que en él está.

Para Greimas, “Lo visual no es más que una etiqueta simplificadora, es solo un catálogo de nuestra perplejidades o falsas evidencias”.

De la semiótica al signo icónico podemos encontrar dos clases: la semiótica figurativa y la semiótica plástica.

La semiótica figurativa aglomera trazos visuales, figuras, representaciones parciales de los objetos del mundo natural mediante el código. 

La semiótica plástica construye la imagen/ plano visual, como respuesta que articula lo cromático (color, contraste, saturación, luminosidad).  

Reconocer

Una cosa representa otra a partir de reglas que se identifican con unidades culturales. (signo-código)

Reglas para que se produzca la significación

1. La cosa no tiene porque existir.

2. El acto de comunicación es autónomo.

3. Debe haber código.

• Signos icónicos apuntan a objetos precisos, singulares y concretos.
• Toda imagen es una abstracción, así, toda representación de lo visual abstrae una serie de rasgos particulares.

La percepción en cuanto a la imagen figurativamente puede ser igual para muchos, un círculo es un círculo; un cuadrado es un cuadrado. Pero la percepción simbólica es la que cada persona le da según su interpretación. La interpretación que maneje puede llegar a crear nuevas percepciones del mundo llegado a un ideal propio.

 

Ser vs Parecer

Cuando vemos una pintura por primera vez, hacemos un análisis ingenuo de qué es lo que realmente nos quiere decir el autor de la obra, pues puede que para nosotros un paisaje tan solo  es la representación de la belleza de la naturaleza, pero para el autor el paisaje es la intelectualización, como escenario idealizado de la figura humana y se acerca al concepto romántico sobre los Alpes, como lo ve el pintor austríaco Joseph Anton Koch (1768-1839), en su obra "Paisaje con arcoíris".

Y es aquí donde la pintura puede ser o parecer, puede ser verdad o falsedad y puede ser mentira o secreto tan solo cuando conocemos el contexto, cuando indagamos sobre el autor, sus gustos, pensamientos, obras; cuando conocemos la época en la que se realizó, cuando reconocemos el elemento o cada objeto puesto en la escena lograremos hacer una lectura sabia de dicha obra.

En esta pintura el análisis empírico que a primera vista le haría sería: el autor quiso mostrar el típico paisaje en el siglo XIX, resaltando al clase alta por medio del castillo y la clase media-baja por las señoras que están en un primer plano, y las ovejas y por ultimo mostrar lo Alpes.

Pero lo que realmente quería decir el autor es que de este a oeste, todo el cielo sureño aparece enmascarado en niebla como si estuviera atravesando por miles de cuerpos brillantes separados de la tierra, cuyas cimas semejantes a coronas parecen formar parte del cielo distante. Realmente existen los Alpes, cubiertos de hielo y soportados por rocas que atraviesan el cielo. Que al final son los Alpes los que parecen diseños del cielo.

Hace un equilibrio entre los conceptos de paisaje, personajes donde los son fundamentales para lograr una armonía escénica.

Estos paisajes buscaban alejar las devastadoras guerras que tenían lugar al otro lado de los Alpes, Joseph buscaba un paisaje cercano a Salermo en una visión mítica. Son paisajes de la Italia contemporánea que aparecen recreados en un mundo arcádico donde un pastor vestido de forma clásica toca la flauta, la verde vista (arboles, pasto etc.) es coronada por estar distante de la ciudad  y por el arco iris que derrama bendiciones de naturaleza.  

Cultura, percepción e imagen.

En todo acto perceptivo se involucra el sujeto perceptor. Siempre hay diferencias en cuanto a la percepción debido al hecho de la identificación de los objetos con base a configuraciones distintas.  Sólo el momento de percepción básico en cualquier mente humana es idéntico, solo cambia el contenido debido a que muchas veces reflejan hábitos desiguales.

Cada cultura se propone distinguir un lenguaje determinado que los diferencie y los organice como una sociedad, esto condiciona una valoración en cuanto lo cromático lo cual es básico según las necesidades que se presente en la cultura. 

Creemos que por ser diferentes esto no implica que no nos aceptemos, al contrario, las diferencias construyen y es relativo que entre más conozcamos a los demás y nos demos cuenta de de las diferencias seremos capaces de aceptarnos, aprender de los demás y coincidir que el respeto y la aceptación son fundamentales.

Para hablar de las diferencias en torno a la representación gráfica  del espacio es necesario siempre tener en cuenta  la percepción y la representación, el reconocimiento de la imagen fotográfica, las claves bidimensionales de la tridimensionalidad y la conceptualización del espacio.

En conclusión la perspectiva queda situada como un método que aspira representar eficientemente la profundidad del mundo real, generando imagen retínica lo más comparable formando un mensaje visual.

La teoría de la percepción

La teoría de la percepción se basa en que el órgano principal que nos remite a las imágenes son los ojos. Gracias a ellos podemos ver diferentes objetos, colores, formas, etc. los cuales nos llevaran a identificarlos y a obtener los diferentes mensajes que se elaboran, organizan y se transforman para darles un sentido.

La percepción se propone entonces dar respuesta a ¿cómo es el mirar el mundo?, la realidad, las pinturas, las fotografías, etc.  y esto se produce básicamente cuando son procesos fisiológicos que pasan a ser  construcciones mentales. El mundo donde nos encontramos ha permitido una estabilidad de los objetos los cuales fácilmente permanecerán iguales pero no se verán alterados en cuanto a la percepción del tamaño, color o forma.  Esta permanencia del objeto no dependerá en cierta medida de la “realidad física externa” sino a las leyes del sistema perceptivo.

¿Cómo llegamos a saber algo del mundo y hasta qué punto es válido?, para ésta pregunta hay dos respuestas. La primera la empirista que explica que el ojo no se comporta como un espejo y las sensaciones no son sino indicios los cuales se deben interpretar adecuadamente. Y la segunda para los innatistas, la mente humana posee ideas innatas acerca de la forma, tamaño y las propiedades de los objetos.

Finalmente por medio de la percepción podemos basarnos en lo inferencial, basarnos en la experiencia con la cual podemos deducir, podemos percibir las sensaciones y demás.

El arte de los artístas

No hay una definición de arte como tal, el arte puede significar muchas cosas dependiendo del tiempo o de la década en el que uno esté, por ende debe haber un contexto. Este contexto constituye categorías para determinar que es una obra de arte y cada época consolida la definición de estética, belleza y formas de una obra de arte.

El arte es constituida por el artista, por la obra de arte como tal y de ella sale una crítica, creando un gusto a tendencias creadas por el artista.

Dependiendo de este contexto, de la tendencia del artista; se construye un referente o una intensión estética para transmitir sentimientos, objetivo final de todo artista. Para esto se requiere dominar una técnica ya que por medio de esta se plantea un concepto y por último crear una forma donde se hable del mundo y de la realidad.

Pues bien, para comprender el arte es indispensable que no se hagan concepciones previas sino ver que el artista busca una concepción de lo real; nosotros como espectadores debemos respetar el gusto del artista y desarrollar una visión del arte más educada, que se adquiere por la experiencia.

Es importante tener en cuenta que nunca se acaba de aprender en el arte, es arte es vida y se aprende de ella. Muchas veces nos podemos refugiar en ella para buscar calma, tranquilidad y ver nuestra realidad. Tener en cuenta signos, colores, símbolos, etc. hacen que nuestra percepción de lo real sea diferente y se pueda plasmar de lo imaginado a lo expresado artísticamente. Es necesario ver, conocer y poder interpretar el presente para captar un futuro.

Meditaciones sobre un caballo de juguete o las raíces de la forma artística.

Muchas veces nos hemos preguntado, cuando vamos a una galería de arte, que quiere decirnos el artista con aquella imagen que vemos; pues bien, aquellas ilustraciones o imágenes abstractas tienen un significado o simplemente representan algo. Sin embargo, aquella representación es utilizada por el artista para acudir a un determinado objeto, de allí podemos hacer una asociación mental gracias a sus rasgos distintivos y nos lleva a dar cierto reconocimiento, significado o apropiación de lo que se está observando.

Para que se entienda o se relacione más fácil la imagen con nuestro raciocinio es importante que el interpretante o el observador tenga cierto conocimiento o que por medio de sus relaciones en su entorno pueda fácilmente captar la idea o concernirla con algunos de los significados que el artista quiere decir.

La imagen por excelencia, representa. Se pueden clasificar en dos tipos uno figurativo y el otro conceptual, el figurativo es un dibujo realista y tiene como finalidad simular la realidad y el conceptual es un dibujo codificado y tiene como finalidad mostrar o dar a conocer una técnica.

El arte busca crear en vez de comunicar, son muchas las personas que creemos que los artistas tiene un objetivo claro pero no es así, para el creador de la obra lo más significativo es mostrar su talento a la hora de crear e innovar en la técnica del dibujo o de la obra de arte como tal.

Es nato que el observador intente llegar a una galería observe e intuya acerca de lo visto, pues muchas veces esto es un error, ¿por qué? simplemente hay personas que en algunos casos no tienen idea de lo que van a ir a ver y no preguntan al observar los cuadros, es importante   investigar y preguntar a los encargados del lugar para poder percibir más cosas de lo simple visto.

Es importante, para finalizar, que se tenga en cuenta  que el arte es una forma de expresión y de representar, se debe, para poder asociarla con algo o darle un significado un previo conocimiento, para eso es importante no juzgar la obra sino entenderla y acoplarla a su manera, no siempre lo que significa la pintura para nosotros el lo mismo que para los creadores o artistas.

La imagen visual: su lugar en la comunicación

La imagen visual juega un gran papel en la comunicación de las personas. Desde épocas antiguas el ser humano ha enfrentado diferentes situaciones donde tiene que interpretar señas, colores, formas, símbolos, etc. y así continuar su camino. Actualmente, nuestras sociedades están irrumpidas por señales, avisos, marcas, etc. donde se trata de comprender que significan todos éstos, y no conforme con ello, los medios de comunicación posibilitan la comprensión de estos y también de los símbolos de las demás sociedades; debido a que muchas veces, el simple hecho de ser extranjero podría llevarnos a lugares desconocidos por no saber que trataba de decir alguna señal.

Llama la atención cuando escuchamos si realmente estamos entrando en una época en que la imagen se impone sobre la palabra, y a pesar de ello creemos que actualmente es por la imagen y por la palabra que podemos empezar hablar de un significado total hacia un objeto. Es cierto y obvio para muchos que una imagen vale más que mil palabras, pero es cierto también que la palabra es clave para poder interpretar las cosas. Fácilmente en la lectura el autor nos aclara esto, por ejemplo, en las iglesias, los vitrales. Muchas personas no entendían que significaba lo expuesto allí, pero claramente en la biblia se explicaba con palabras qué significaba y por qué no darle otra razón de lo visto en aquel lugar.

Para nosotras, al reflexionar sobre ésta lectura, dentro de la imagen visual es notable la interpretación. Con esto logramos concebir claramente que la interpretación de las señas, símbolos, colores, objetos, etc. es muy disímil, por ejemplo, para un oriental los colores o los símbolos de su zona son normales, en cambio para un occidental que llega al oriente, tiene otra concepción de mundo y podría confundirse o no entender qué es lo qué pasa. Esto también lo relacionamos al lugar de origen de la persona y su edad. La cultura lo concibe para entender lo regional, lo cual hace que reaccione diferente ante lo desconocido; lo mismo pasa si un  niño se encuentra en frente de una pintura de Van Gogh y junto a él un adulto que por lo menos se dará cuenta que es Van Gogh y no cualquier persona.

Es muy importante entender que los símbolos, señas, colores, etc. están puestos estratégicamente para que los individuos se adapten a ellos, para que las sociedades tengan un orden y todo se interprete del mismo lado. Creemos que en un orden social es importante tenerlos en cuenta para el buen funcionamiento y el bienestar social.